Um Blog dedicado à música internacional e ao rock. Formado por notícias de fora do veículo e opiniões, a idéia é informar do que tem e não tem qualidade, de acordo sempre com o autor e aberto a comentários e críticas.
Enquanto o mundo todo fica se levando a sério e todos ficam correndo atrás de dinheiro, eles cantam sobre golden retrievers e anéis ao redor do mundo. A diversão de assistir uma banda que se baseia em qualidade e humor, vestidos de Power Rangers no palco, não deixa que o rock envelheça.
Mas o que é esse Remix que serve de repelente para os verdadeiros amantes do Rock? Na verdade não é tão complicado assim, seria a manipulação de uma música em que um indivíduo tem em suas mãos todas as suas faixas. O problema é que a maioria das vezes essa manipulação torna a música mais dançante e só. Um leve aumento nos graves, uma manipulação no ritmo da bateria e pronto, simples.
Essa última frase ofenderia milhões de leitores. Então quem são esses leitores? Esses sim são os verdadeiros Mestres do Remix. Os que criam em cima do criado, os que não somente fazem você dançar e pronto, fazem você querer o Remix.
Então que tal lembrar de alguns gênios da arte, para que possamos tirar aquele remix de "Don´t Cry For Me Argentina" e colocar aquele do Doves terminando sua canção de forma carnavalesca. Certos DJs se tornaram famosos mundialmente, não somente com suas próprias músicas, como o Chemical Brothers, Fatboy Slim, que frequentemente estão por aqui, DJ Shadow e U.N.K.L.E.. UNKLE é procurado por artistas de bandas como Oasis, "Morning Glory", e Queens of the Stone Age, "No One Knows".
O movimento Indie Rock na inglaterra está recebendo novos DJs de braços abertos. O novíssimo conjunto Hadouken! (sim, o som que o Ryu e o Ken gritam no Street Fighter, ícone pop dos anos ´90) já fez Remixes de bandas de rock como Klaxons, Bloc Party e eletrônicas, como Side B. Novas edições de rocks com misturas de um novo som eletrônico com forte hip hop. Essa é a receita.
Certas bandas, como The Killers, Klaxons, Bloc Party, Vampire Weekend e Postal Service, parecem já produzir músicas para serem remixadas para tocar em festas. Os novos dinossauros, Oasis, Richard Ashcroft (the Verve) e Damon Albarn (Blur), já criaram vínculos. Será que não está na hor de seguirmos esse exemplo.
Crítica 10/10 Não teve Chris sarado de bigodinho, cabelo longo, camisa de flanela e qualquer coisa esperada por um público desavisado. Só um surpreendente show perfeito!
Nunca fui muito fã do Soundgarden. Curtia o primeiro disco do Audioslave porque quando ouvi falar de uma banda com o instrumental do Rage Against the Machine e o vocal da banda que tocava Black Hole Sun, fiquei interessado. Rápido cheguei a conclusão que tudo parecia demais uma jogada de marketing para mim. Descobri o Temple of the Dog este ano (2007).
Foi ouvindo o disco Carry On, segundo solo de Chris Cornell, que comecei a reparar o verdadeiro valor dos gritos incessantes do Soundgarden, do rock "funky" do Audioslave e da profundidade do Temple of the Dog. Tive que caçar conteúdo de 20 anos de carreira do artista pois o show estava chegando.
No dia pode-se dizer que todas as forças do universo estavam contra o show. Não pegava uma chuva daquelas a anos. Muitos desistiram e menos de 1/3 foram assistir o show com a pior divulgação de 2007. Entretanto com um pouco menos de uma hora de atraso lá estava Chris silenciando as vozes dos que dizem NÃO (Silence the Voices, música calma, com pinta mais de fim de show do que de início). O clima estava criado, mas a plateia ainda estava fria, digo surpresa com a força dos vocais ao vivo de Chris. Mas logo em seguida, alegando ser sua própria história, começa Original Fire (Audioslave) e o público acompanha com palmas e pulos, regendo a banda. E pronto começa o bombardeio: No Such Thing (solo), Outshined (Soundgarden), Hungerstrike (Temple of the Dog, não esperava a reação do público ao cantar o segundo verso em coro, Chris, no entanto, deu o microfone para o público carioca!) e assim o show seguiu (deu pra entender o nivel).
Então após algumas fantásticas (Show me How to Live e Spoonman!), começou o set acústico: Call me a Dog (a minha favorita do Temple of the Dog), Billie Jean (Michael Jackson, boas risadas mas o ponto baixo do show), Finally Forever (solo, valeu explicação de Chris que ele tocou essa para sua mulher na cerimônia de casamento), Getaway Car (Audioslave, comentou que nunca tinha tocado essa acústica, legal acreditar, pois ficou ótima), entre outras. Outro ponto alto foi o fim do set acústico quando começou Doesn't Remind Me (Audioslave) acústica, e abanda entrou rasgando no refrão!
Chris saiu do palco e a banda assumiu um "jam" fantástico somente para início da fantástica Cochise (audioslave), quando Chris voltou e assumiu os vocais. Neste segundo ato ouvimos obras primas como You Know My Name (solo, música lançamento do filme 007 Casino Royale), Fell On Black Days, Jesus Crhrist Pose e muitas outras do Soundgarden.
O show terminou com um grande mix de Soundgarden e como de costume o "medley" Slaves and Bulldozers até Whole Lotta Love (Led Zeppelin) com váriass no meio sem tempo para respirar (não que alguém queira respirar)!
O show perfeito. O som estava perfeito. Eu consegui ficar a dois metros no máximo do Chris Cornell, e qualquer um conseguiria. Vocal perfeito, tudo que era para estar perfeito. Até parou de chover quando o show terminou.
Perfeito para fechar o ano.
Só para colocar uma inveja em quem perdeu: Setlist:
Silence the Voices Original Fire No Such Thing Outshined Show Me How To Live Hunger Strike Be Yourself Spoonman Call Me a Dog (início do set acústico) Finally Forever Billie Jean Getaway Car Wide Awake Like A Stone Doesnt Remind Me (fim do set acústico com entrada da banda) Cochise Pushin Forward Back Slow Jesus Chris Pose Arms Around Your Love You Know My Name Fell On Black Days Black Hole Sun What You Are Rusty Cage (bis) Cant Change Me Burden In My Hand Sunshower Slaves And Bulldozers Drum Solo S.W.M.G.E.C 4th of July Like Suicide The End Whole Lotta Love
Guitarras, barrigas de cerveja, óculos Rayban, motoqueiros com roupa de couro, e um enorme bigode. Ah, e Josh Homme (Queens of the Stone Age) na bateria! Eagles of Death Metal é diversão na certa.
Durante os volumes 3 e 4 (1998) dos Desert Sessions os Eagles of Death Metal foram formados por Jesse Hughes e Josh Homme. Não, a banda não é de Death Metal, parece mais um Garage Rock misturado com o Rock 'n Roll do sul dos EUA dos anos 50. Essa mistura que torna o som tão divertido. Bom, essa mistura e o homem de frente, o quase emblemático, Jesse Hughes.
Jesse Hughes pode ser definido de diversas maneiras. Ele pode ser o homem que vai te oferecer uma cerveja no bar de motoqueiros mais repulsivo da região e depois te dar uma facada com a mesma faca que limpava as unhas porque você olhou para mulher que ele pretendia ir atrás. Ele pode ser o seu melhor amigo, se você elogiar o bigode dele. Ou ele pode ser somente o mais que carismático líder de uma das bandas mais divertidas formadas nesta década.
Então o louco do Jesse Hughes e o gênio do Josh Homme resolveram formar o Eagles of Death Metal. Sexy, engraçado e puro "rockabilly". Certamente as Águis do "Death Metal" colocarão um sorriso no rosto de qualquer pessoa que aprecia o rock em sua essência.
Para entender melhor, assistam o video da música I Want You So Hard (the Boy's Bad News):
Um gênio, um ideal, uma reunião musical no meio do deserto
Em agosto de 1997, Josh Homme idealizou e criou os Desert Sessions. Diz a lenda que Homme, um dos gênios dos anos 90 / 2000, hoje líder ativo do Queens of the Stone Age, queria gravar no estúdio Joshua Tree, no meio do deserto localizado no Rancho de La Luna, por dias sem parar sob o efeito de “chá de cogumelos”, liberando toda a sua criatividade na obra perfeita.
PJ Harvey e Josh Homme lançando volumes 9 e 10
Lenda ou não, Homme convidou amigos das bandas Kyuss, Monster Magnet, Soungarden e muitas outras mais. Músicos que viriam a formar bandas como o Eagles of Death Metal e outros projetos paralelos de integrantes do Queens of the Stone Age. As gravações também contaram com a presença de uma das maiores roqueiras da atualidade, PJ Harvey, do genial, ex-Screaming Trees, Mark Lanegan, o baixista da formação original do QOTSA, Nick Oliveri, que tocou completamente nu no Rock in Rio e Samantha Maloney, Motley Crue.
O resultado foram álbuns lançados em dez volumes, lançados de 1997 a 2004. Psicodélicos com pegadas de rock (ou o bom “desert rock” como o estilo acabou sendo definido), vocais diversos e toques femininos nos últimos volumes com toda a sensualidade de PJ Harvey. Várias músicas acabaram sendo reutilizadas em discos das bandas que participaram das gravações (Make it Wit U, Hangin’ Tree, Crawl Home, I’m Here for Your Daughter, Like a Drug, Cake (Who Shit On?) e muitas outras). E algumas curiosidades, como a música Avon (também aproveitada dos Sessions) tem sua versão oposta, Nova, com vocal diferente, vocalista e melodia.
PJ Harvey e Josh Homme lançando o single Crawl Home
Ao fim dos dez volumes, ouve-se muitas obras de artes, boas tentativas, músicas gravadas por diversão mas acima de tudo a música gravada pela música.
Discos Recomendados: Desert Sessions (Volume 1 e 2) Desert Sessions (Volume 9 e 10)
Confesso, ao ouvir a primeira faixa, Smile, quase que imediatamente desliguei o som. A música já havia sido martelada tantas vezes na minha cabeça pelas rádios que não aguentava mais! Mas parei e esperei, pois a letra é sensacional. Chegando na segunda música entendi o por quê da crítica tão positiva da obra Alright, Still.
Knock 'Em Out é um ska sobre mulheres em pubs, LDN é um HIT na certa, meio merengue, e a quarta, Everything's Just Wonderful, é meio ska, com uma pitadinha de bossa nova, não jazz. É realmente surpreendente como cada música tem sua personalidade. A música Alfie, que fecha o disco é sobre um irmão mais novo que se recusa a fazer qualquer coisa da vida, letra que salva a música de ser somente uma música engraçadinha sem substância.
Aliás, isso também é o maior ponto negativo do disco. Se os envolvidos nas letras não fossem tão criativos, músicas como LDN e Alfie seriam medíocres e outras pareceriam a Lady Sovereign (que fala sobre dinheiro e ser baixa), Just Jack (tópico: drogas) ou qualquer "rapper" do reino unido.
As letras, no entanto, são tão boas que cada vez que você ouve parece que Lily Allen está contando uma história mais bizarra, sempre positiva e engraçada.
É claro que não é o Nirvana. Nem o Foo Fighters. Já tivemos o prazer do Pearl Jam. Não vou entrar em detalhes sobre o Alice in Chains...
Mas teremos a felicidade de no dia 12 de dezembro no Citibank Hall (RJ) e e dia 13 no Credicard Hall (SP) de shows do ex-lider do Soundgarden (Temple of the Dog e Audioslave) se apresentar aqui no Brasil. Isso mesmo Chris Cornell estará comemorando seus vinte anos de carreira com esta turnê sólo e teremos o prazer de assistir a essas apresentações.
O Cantor anda em alta com seu último disco (sólo) "Carry On" elogiado e tendo feito a música tema de 007 Cassino Royale, You Know My Name. Colocarei aqui um dos setlists que consegui achar na internet que vem tocando nessa turnê (para quem quiser ficar mais ligado).
Let Me Drown Outshined Show Me How To Live You Know My Name No Such Thing Say Hello 2 Heaven What You Are Rusty Cage Billie Jean Fell On Black Days Blow Up The Outside World All Night Thing Doesn't Remind Me Cochise Arms Around Your Love Black Hole Sun Spoonman Silence The Voices Like A Stone Slaves And Bulldozers
O Queen of the Stone Age é uma dessas banda "inrotuláveis". A banda já foi injustamente chamda de Heavy Metal, Death Metal, Hard Rock, Pschodelic Metal... A última que ouvi foi Desert Rock (que até gostei). A coisa certa da banda é sua qualidade. E que essa qualidade se espalha com projetos paralelos como o Eagles of Death Metal (que se apresenta aqui no Brasil) e toda a carreira solo de Mark Lanegan (integrante de estúdio da banda).
Mas porque mencionar sexo quando se fala dessa banda? Talvez porque o "Q" da banda é representado por um esperma, ou porque (I Wanna) "Make it Wit Chu", o refrão deste clipe quer dizer (eu quero) "fazer amor" (para manter o público alvo abrangente deste blog) com você. Falaremos então do clipe:
"Make it Wit U" é uma canção mais antiga, veio lá do "Desert Sessions", uma reunião de artistas (PJ Harvey, amigos e membros dos projetos paralelos dos membros do QOTSA) feita em meados da década de noventa. A verdade é que não teria muito a cara da banda se não fosse pelos vocais de Josh Homme, o que parece óbvio, mas não é. A música é calma e sensual. As guitarras atuam sem agressividade e ficam no fundo, o que não é característica da banda. O clipe é calmo com a banda tocando no meio do deserto. É claro que tinha que ter uma sensualidade envolvida, então casais (de todos os tipos) logo começam a aparecer se beijando.
O clipe é muito bem filmado, os casais realmente passam o fator sensualidade, mas faltou a s grandes idéias que o QOTSA sempre passa em seus clipes. É difícilver um clipe simples assim depois de ver Sick, Sick, Sick, em que a banda é devorada após não sobrar mais comida para uma mulher grotesca, Little Sister e a stripper completando o que seria um simples clipe de uma banda tocando, e No One Knows, ataque de veado atropelado elouquecido. Não podemos esquecer Go With the Flow, um dos melhores clipes de todos os tempos, mas esse, só assistindo pra entender.
Fator HIT: 7/10 Nos anos 90 uma banda começou a crescer na grã-bretanha abusando de percussão forte, vocal chorado e melodioso, baixo marcante e um dos mais criativos guitarristas da geração. Estilosos, era difícil ver em um show um integrante sem óculos escuros, chapéu (não boné) e muitas vezes o "sobre-tudo". Era mais uma banda trazendo de volta o movimento da década de 60 dos "Mods" ingleses, popularizado por bandas como The Who e Small Faces.
No disco "On the Leyline", é fácil sentir a força do rock retrô da banda. Músicas como Never Find Me, Don't Get Me e Two Lovers poderiam tocar nas rádios mais calmas enquanto I Told You So, música que abre o álbum, conquista qualquer um de primeira com a perfeita de dosagem de guitarra e melodia. A música, For Dancers Only, é forte e carregada e tem a autoria de Paul Weller, um dos músico mais respeitados da Europa por ter liderado o The Jam e o Style Council, e um grande amigo da banda. Paul Weller, quando faz turnê costuma convidar Stevie Craddock, guitarrista da banda, para acompanhá-lo como músico convidado, e muitas vezes participa das apresentações do Ocean Colour Scene.
No entanto, On the Leyline chega ao fim e vem aquele sentimento de incompleto. Por que? Porque todo disco precisa de no mínimo um HIT. Uma música que o público vai querer comprar na internet, um chiclete na cabeça, uma música que o ouvinte sai cantando o refrão (mesmo errado). No passado a banda teve músicas como Riverboat Song, Hundred Mile High City (do filme Jogos, Trapaças e Dois Canos Fumegantes), The Day We Caught the Train e, pra finalizar, Up On the Down Side.
A música Go to the Sea Boys é sem dúvida a melhor do disco e talvez se torne um HIT. Espero que sim... acredito que não.
(É isso mesmo, não consegui segurar. Se você já ouviu De Stijl...)
Bom, acho que é melhor falar só sobre Icky Thump no momento...
Icky Thump começa forte. A música título (que fala de prostitutas, mexicanos e coisas completamente aleatórias) e o segundo single, You Don't What Love Is, são sucesso. O meio do disco é que fica confuso. Conquest não é para todos (a música é um rock/ blues/ espanhol com base em guitarra e trompete, com a voz mais gritante do que nunca, de Jack White). Mas ouvindo a música como se não fosse de uma banda de duas pessoas, pode ser considerada uma das melhores do disco. Já Prickly Thorn não é o mesmo caso. A música tem como base instrumental uma gaita de fole (sim, aquele instrumento que parece um travesseiro). Sou totalmente a favor da inovação, mas essa não agradou.
O que salvou o disco mesmo foi o bom e velho White Stripes. A guitarra nos blues 300 M.P.H. Torrential Outpour Blues e Catch Hell Blues tem a força necessária para segurar as canções mais calmas do disco. A letra do folk Effect and Cause é perfeita, enquanto o teatrinho musical da canção Rag and Bone, em que Jack e Meg White (dois mendigos) ficam oferecendo pegar lixo dos outros prometendo alguma utilidade, é um dos rocks mais bem feitos do disco. Little Cream Soda e Bone Broke, são canções pesadas com forte influência dos Stooges, e vaga lembrança de Robert Plant (Led Zeppelin) no vocal.
Para finalizar, deixei para dar atenção especial para a música A Martyr for My Love for You. A letra volta a inocência do White Stripes, não fala de imigrantes mexicanos e prostitutas. Como Bob Dylan, e suas letras de paz e guerra, e Johnny Cash, e o imaginário e eterno prisioneiro, tem certos letristas que escrevem certos estilos como ninguém. Jack White, talvez até no começo do espetáculo "White Stripes", começou a escrever com a sua juventude na sua frente. Com sucessos como Seven Nation Army, temática política, Jack parou de escrever tantas Fell in Love With a Girl (me apaixonei por uma garota).
Mais uma vez Jack White, nos traz um grande disco. Para quem acompanha a carreira do duo, ao ouvir esse disco lembro da expressão De Stijl.
Discos Recomendados: The White Stripes: De Stijl Raconteurs: Little Boy Soldiers
